cinco

He querido desarrollar una serie de entrevistas a algunos profesores de arte para conocer distintas realidades, en distintos colegios y en distintos lugares donde desarrollan un trabajo en donde mezcla la educación y el arte. No todo puede ser tan nefasto y la educación desde el arte y para el arte puede tener eslabones perdidos y desconocidos que me gustaría contactar.

Ser profesor requiere de una disposición pedagógica innata, en cualquier área o subsector enseñar no solo significa entregar un contenido, sino aplicar la transversalidad e incluso “bailar cueca” si el colegio lo requiere. Hoy quisiera creer que la labor de la enseñanza artística brinda un espacio de crecimiento personal y crítico, abarcando los espacios de la creatividad, la historia y el registro.

Sobre estas lecturas de lo que es el enseñar arte tuve una seudo entrevista vía mail con Bárbara Martínez – ex compañera y amiga, egresada de pedagogía en artes visuales de la Universidad de Concepción- actualmente trabaja en el Museo Artequín de Concepción en el área educativa… ¿cómo es ser profesor en un museo?

Crodriguez: Barbara, gracias por aceptar la invitación. Quisiera preguntarte ¿cómo ves la parte pedagógica de los museos, cual crees tú que es lo debería ser su función principal?

Bárbara: Esa es la gran pregunta que se están haciendo la mayoría de los museos del país, como lograr cautivar al público cada vez más alejado de las salas de los museos, y no hablo solo de arte. Algunos se han visto beneficiados con estrategias interesantes como es el caso del museo de historia natural de concepción, el cual gracias a la construcción de la plaza jurásica a su alrededor ha visto aumentado considerablemente el publico que les visita.

Personalmente creo que la parte pedagógica en los museos de concepción es muy pobre, se le saca poco partido a las colecciones existentes. Y resulta ser muy importante en estos lugares pues muchas veces el publico que se enfrenta a una obra (sea objeto de colección, fósil, pintura y un largo etc.) necesita de una pauta para poder comprender mejor lo que está viendo. A través de la experiencia de estos 4 años en el museo me he dado cuenta que la gran mayoría de las personas no sabe lo que ve, no lee lo que se le pone por delante y es por un asunto social que va mas allá de lo que pasa en el aula; es un problema transversal de comprensión y de potenciar la curiosidad (también es comodidad del espectador, para que estamos con cosas).

Aprovechar pedagógicamente una colección es apoyar la labor de las aulas en todo aspecto, es lograr un aprendizaje mucho más profundo al estar viviendo una experiencia en vivo con el objeto y fuera de la sala de clases (a la donde entramos todos condicionados con la típica frase ”que fome tengo clases”).

Crodriguez: Debido a que las distancias en concepción no son tan grandes ¿Cual es la relación que tiene el museo con los colegios de la comuna?

Bárbara: Si bien como dices, las distancias son relativamente amigables (terremoto a un lado) el lugar donde se sitúa el museo es poco amigable para el público que circula en micro. Estamos al otro lado del Bío Bío por lo tanto los colegios de concepción y comunas aledañas no logran concretar visitas muy seguidas por un asunto de tiempo y recursos. Sin embargo, el museo (y el parque en sí) es un tremendo apoyo para las comunas de San Pedro y Coronel. De ellos recibimos el mayor porcentaje de visitas al año y muy especialmente de primer ciclo y los peques de kinder y pre kinder. Para ellos cada taller educativo va en apoyo de las cosas que están viendo en la sala de clases, viene a ser una actividad alternativa pero siempre de la mano de lo que está en el currículo.

Además, el museo organiza cada año (este no por motivos obvios) un concurso de pintura donde se invita a todos los colegios de la provincia a participar. Hemos tenido una tr4emenda aceptación en ese sentido pues hay colegios que traen a todos los cursos a participar. Otros utilizan la instancia como “premio” para los chicos que tienen mejor rendimiento. Otra de las actividades en la que participamos en conjunto con otras entidades educativas y científicas es en Explora Conicyt, donde cada año apoyamos (y creamos también) las actividades que se realizan en los colegios y en el día de la ciencia sale a la calle.

En resumen, creo que los colegios saben de la existencia de este lugar, y de a poco aprovechan la instancia. Me gustaría que se aprovecharan más jajajaja pues la metodología que aplicamos es muy amigable tanto para el arte como para principalmente nuestro público estrella: los niños.

Crodriguez: ¿Existen instancias como seminarios, concursos, charlas dirigidas a los profesores de arte?

Bárbara: En los otros Artequines de Santiago y Viña (que son gigantes en comparación a nuestra cabaña) si se hacen, acá lo hicimos una vez y fue una tremenda experiencia porque la acogida entre los profes fue súper buena. Aquella vez realizamos un curso sobre el cubismo dirigido a profes de básica y de arte, entregamos material y realizamos talleres con ellos a la manera Artequín para que fueran replicados en las salas. Ahora por un asunto de logística (tiempo y espacio) no hemos podido seguir realizándolos, pero quien sabe lo que trae el próximo año.

Crodriguez: Desde tu visión como profesora, ¿cual crees que tú que sería un mejoramiento positivo en el subsector de arte visuales?

Bárbara: La evaluación, no me cabe en la cabeza que las artes (en general) tengan que ser sometidas a escalas de evaluación premiando lo mejor y lo peor: ¿cómo calificamos que es bueno y que es malo en un proceso creativo? ¿y especialmente en un proceso creativo de un niño?. Si el arte es un proceso donde reflexionamos sobre algo y creamos a partir de esa reflexión, es imposible someterle a una escala tan rígida como las que se suelen aplicar en las escuelas.

Hay que tomarse en serio a las artes (y entiéndase que hablo de la música también) pues son la parte más importante del desarrollo de la persona, no se trata solo de acumular conocimientos que nos van a servir en la parte practica de la vida, hablo de la instancia que significa la hora de artes en el colegio como el lugar donde potenciamos a la persona como tal, sus inseguridades, su relación interpersonal con el otro. Estoy segura que si a las artes se les tomara realmente en serio en esta sociedad los psicólogos no tendrían tanta pega y seriamos una población un poco más feliz.

Crodriguez: Pensando el arte actual, las diferentes plataformas de información, el uso de los nuevos medios, como crees tú que éste se podría introducir en la enseñanza de las artes visuales en los colegios o crees tú que tiene alguna relevancia en la enseñanza de las artes visuales?

Bárbara: Claro que la tiene, pensemos cuando estábamos ambas en la U, a penas teníamos acceso a cierto tipo de información en la red, y con más suerte aun lográbamos que la señora del piso 4 de la biblioteca nos prestara sus sagrados libros de arte jajajajajaja. Hoy en día es fundamental el tema de la información, en 3 minutos logras saber que al otro lado del mundo hay un tipo que está haciendo cosas interesantes con la pintura en las paredes de la calle, puedes realizar visitas virtuales por algunos museos importantes del globo u organizar alguna manifestación cultural con mucha mucha gente, llegas a todas partes!

Y el cómo usarlas? esa es otra de las grandes preguntas a las que nos vemos enfrentadas, creo que APRA eso solo hay que usar la imaginación, ver hasta dónde nos puede llevar jejeje

Crodriguez: Tú has trabajado en talleres comunitarios y en los talleres realizados por Artequín y tu experiencia en la práctica … como ves la cultura visual de los niños y adolescentes, como crees que podemos educar esa cultura?

Bárbara: Aquí se genera una contradicción en sí. Si bien las niñas y niños están realmente bombardeados por información visual y son capaces de reconocer un montón de símbolos siempre y cuando los hayan visto antes en el computador o en televisión, no son capaces de decantar esa información y de llegar a alguna parte con eso. Con esta pregunta pienso en el pop art, en como utilizaban los elementos populares para hacer cosa. Acá pasa algo parecido, los niños están saturados de “cultura pop” pero de muy mala calidad, ¡pésima!

Hoy mismo atendía a un grupo de niños de Talcahuano y que ni siquiera sabían que era la Mona Lisa, pero cuando les pedí que nombraran a un artista conocido me hablaron de la gente de la tv. Atroz. Creo que lo conveniente en estos casos es tomar precisamente esos elementos “pop” y a partir de ellos hilar cosas más sustanciales relacionadas con el arte. Es difícil, pero es la única forma no confrontacional de hacerles ver que en realidad sus conceptos están bastante errados y que hay cosas más interesantes por ver y hacer.

Crodriguez:¿Que referentes son los que más te inspiran y crees que pueden ser un gran referente para enseñar arte?

Bárbara: En estos momentos a mi todo me sirve, desde lo más genial hasta lo más equivocado, para mostrar lo que NO ES. No te podría mencionar un referente en especial porque me alimento de muchos, desde el colorido y la dinámica de Hundertwasser hasta lo más esquemático y duro como la Matilde Pérez, música, cine, libros, cuentos, todo es posible usarlo de alguna forma y así es como funcionamos acá, pues como te decía antes, tratamos de usar lo mas cotidiano como punto de inicio de algo. Y mientras más cotidiano, más cercano a la gente, más profundo podemos llegar. ..

Crodriguez: Quizás esta pueda ser una pregunta muy amplia, casi para generar una tesis, pero en término concretos, ¿Cómo ves la educación artística, que importancia crees que tiene en el currículo escolar?

Bárbara: Claro que da para tesis jajaja. Como te decía antes, al arte hay que tomárselo en serio. Esta bueno ya que en los colegios y en general la corten con la tonterita de que las artes son el ramo parche, que es el relleno para sacarse buenas notas, que el profe de arte sirve para adornar el cole cuando esta de aniversario, etc. Las artes visuales Y musicales, son tremendamente importantes en el desarrollo personal de las niñas y niños, a través de ellas se detectan las carencias afectivas, las motivaciones y desmotivaciones, la inseguridad, el autoestima, a través de las artes se pueden trabajar y reforzar aquellos aspectos de la personalidad que necesitan más atención. Insisto en lo que decía antes, que si a las artes se les diera la seriedad e importancia que se merecen este país estaría con menos gente depresiva y con más personas felices, así de simple. A través de las artes puedes reforzar también otros ramos del currículo escolar, como las letras, la historia. Las matemáticas pueden ser más amigables si las relacionas con la composición musical...

A través de las artes puedes aprender a observar mejor el mundo que te rodea, a hacer un montón de lecturas de una sola cosa, se te amplia el rango de visión de una manera impresionante, desarrollas el pensamiento crítico, el lenguaje se expande y alcanza niveles que van más allá de la escritura y el sonido.

Pero mientras siga imperando ese pensamiento obtuso en las personas de que el cielo es azul y hay que pintarlo azul, que las artes son “manualidades” para hacer tarjetitas en los cumpleaños, que la música suena bonita pero no es algo para dedicarse a ella, vamos a seguir arrastrando los mismos problemas de los que somos víctimas hasta ahora tanto niños como profes de artes.

* en la foto la entrevistada.

cuatro

Un poco de inconformismo a la brevedad.

Paseando por facebook me encontré con el trabajo de un profesor de arte, quien creó un grupo dedicado a los trabajos que realiza con sus alumnos. Lo lindo de todo esto y que personalmente me llega de manera directa es que es profesor de un liceo de Mulchén.

La verdad nunca he conversado con él, pero sin embargo a través de las imágenes puedo ver un muy intenso e interesante trabajo desde la parte de la creación. Con una sala de artes visuales en donde se trabaja pintura, grabado e incluso video arte.

Luego de semanas de agobiante trabajo y porque no decirlo una constante sensación de frustración por mi trabajo como profesora, ver esto sin duda me inspira. Quizas sea un buen momento para decidir entrevistar a algunos profesores y ver que tan enriquecedoras o agudas pueden ser sus experiencias.

tres

La Educación Artística desde la óptica del Arte Contemporáneo

El arte hoy significa mucho más que esa gran obra de arte expuesta en un espacio destinado al arte. En ese sentido, ciertas obras catalogadas en revistas internacionales sobre el tema se contraponen a instancias de difusión del arte que se nos presenta como una experiencia estética sublime. Hoy el arte es un canal de expresión, conceptos, información, actualidad, historia; el arte hoy se puede manifestar a través de diversos lenguajes, los cuales a lo largo de la historia han derribado los límites que lo encasillan como una mera manualidad o un acto de creación de los elegidos, que requiere sólo de juicios estéticos para ser apreciada. Sin embargo, para la realidad de muchos y el discurso de otros, el mundo del arte sigue siendo un espacio hermético. Es entonces cuando la función de la educación artística es el crear espacios reflexivos en torno a las artes visuales, generando análisis de los proyectos artísticos, tanto los que son desarrollados por artistas visuales, como los que trabajan los alumnos de forma individual o colectiva.

Los planes y programas elaborados por el MINEDUC entregan de manera clara cuales son los objetivos y contenidos mínimos que deben ser abordados en cada subsector, en el caso de artes visuales hay una definida orientación hacia la percepción visual, la capacidad crítica y autocrítica, la expresión visual de ideas y emociones.

De muchas maneras se le ha llamado a la educación artística y cada una de esas denominaciones, se ha generado también por objetivos particulares. En los inicios de los noventa la asignatura se denominaba dibujo y estaba orientada al desarrollo solo de este lenguaje. Posteriormente en la mitad de los noventa se acuño el término de artes plásticas incorporándose, durante ese período, una mayor cantidad de áreas como la escultura y el grabado.

Actualmente y dado los diversos lenguajes contemporáneos, la asignatura ha terminado por denominarse “artes visuales”. Lo que vendría a comunicar, que su principal objetivo es conocer la visualidad de la contemporaneidad y ejercer un pensamiento crítico basado en la experiencia estético sensible, manejando además, los acontecimientos históricos que la gatillan.

Los programas claramente se han dirigido cada vez más hacia el trabajo en donde se desarrollen diversas aptitudes de los alumnos y se proponen actividades creativas y didácticas para que el profesor desarrolle, trabajando tanto con la historia del arte como los movimientos actuales, entonces ¿por qué se sigue viendo el ramo de artes visuales con suma liviandad? Se piensa que si eres bueno dibujando te debe gustar arte o al menos irte bien. Se piensa que

el ramo de artes es un ramo para sacarse buenas notas por rayar una

croquera. En ocasiones los profesores de arte son un parche en los colegios que sirven para hacer afiches, mascaras y escenarios para las conmemoraciones importantes. Es indignante que el director de un colegio no tenga la cultura para entender las sensibilidades, apreciaciones culturales y contenidos transversales que se pueden aplicar desde las artes. Por lo general, los profesores de arte son los que se ganan la plata por hacer dibujitos.

Un profesor de arte no educa pensando en futuras generaciones de artistas, sino educa generando reflexiones por medio del arte, esperando que los alumnos vayan más de una vez al museo y puedan entender, decodificar, criticar, apreciar, resolver lo que se plantea en una obra, lo cual es el objetivo general de los planes y programas. Ahora bien, las realidades son disímiles.

Pensar la educación artística en Mulchén, no es lo mismo que pensarla en Concepción y claramente no será lo mismo que si se piensa en Santiago. Pero debemos pensarla bajo el mismo canon de enseñanza. Al pensar qué enseñamos como profesores de arte también debemos pensar un contexto en el cual se insertan los adolescentes y entender cuál es la reflexión que se quiere generar.

Educar en el arte contemporáneo, pensado en los procesos de producción, significa enseñar en un contexto en donde coexisten varios protagonistas: el profesor, los alumnos, el colegio, las familias, el entorno, las influencias socioculturales, el estado, entre otros. Cada uno de estos “agentes” cumple un rol específico en el desarrollo de la educación. En el caso de las artes el entorno y las influencias socioculturales determinan en gran medida cual es la

cultura visual que tienen los alumnos. Por otra parte las familias establecen un patrón de conducta sobre las apreciaciones, el valor por la cultura, la disciplina y el respeto hacia las diferentes opiniones. Los colegios son los que determinan una estructura de aprendizaje, algunos enfocados a potenciar las habilidades artísticas, otros que enseñan desde el pensamiento artístico y otros en donde es solo un ramo que sobra en la malla curricular, donde cualquier profesor puede tomar esta asignatura, así sobre ese terreno se comienza a enseñar.

Las prácticas artísticas contemporáneas parecen ser lejanas al mundo de la sala de clases, aun cuando el modo de operación de éstas puede responder a una muy disciplinada manera de ver el trabajo artístico en educación. Proponer el riguroso trabajo del artista chileno, Alfredo Jaar como ejemplo de producción y concretarlo en una actividad de instalación no solo significaría conocer la forma de realizar una obra contemporánea, sino también supondría algunos

objetivos transversales tales como: conocer la producción artística de Alfredo Jaar o realizar una investigación a priori de una problemática puntual y generar una solución estética comprometida y fundamentada de su obra.

Para terceros y cuartos medios existe un plan y programa diferenciado de artes visuales que propone un módulo de Audiovisual y dentro de sus contenidos aborda lenguajes como el video arte, el cine, el diaporama y la fotografía. Estos lenguajes son utilizados cotidianamente por los adolescentes a través de herramientas tecnológicas como cámaras fotográficas, celulares e Internet. Aquí, por ejemplo el lenguaje del video arte podría ser un soporte activo para desarrollar un ejercicio artístico en la clase de arte.

En este caso resultaría interesante trabajar con propuestas como las de la artista visual Ingrid Wildi y enfrentar un video documental relacionando los procesos de la imagen y la visualidad que este implica, como el registro y la imagen en movimiento, aplicando temáticas que se relacionan con el tema de la identidad, la memoria y los desplazamientos. Temas que pueden ser documentados desde una óptica crítica social o desde una óptica crítica estética como podría ser el caso del lenguaje de las instalaciones o intervenciones. Presentar, por ejemplo, el proceso creativo de las instalaciones de Thomas Hirschhorn para analizar y entender su resultado, demostraría la capacidad que tiene el arte contemporáneo para legitimarlo como metodología de la enseñanza. De esta manera, la enseñanza de las artes visuales, podría proponer una clase de educación artística teniendo una base teórica, histórica y práctica que plantee, constantemente, lo que está haciendo un artista hoy.

Si la educación por el arte no fuera una asignatura aislada y se pudiera trabajar en paralelo con los contenidos de historia o de lenguaje sin duda podríamos tener una masa crítica muy interactiva. Situar al alumno en una década, supongamos del siglo XX, representa una cartografía de hechos en la literatura, en la historia, en la música, en el cine, en el arte que daría una panorámica completa del pensar de un siglo y también quedaría más que claro el término vanguardia.

Para concluir debo recordar que la enseñanza del arte en si conforma una herramienta sensibilizadora a través de la cual podemos motivar otros aprendizajes y reflexiones. En si la educación artística estimula el razonamiento crítico y que a través de las practicas contemporáneas, sus metodologías de producción, investigación y propuestas estéticas generan el conocimiento a través de la lectura de las imágenes promoviendo no solo un entendimiento iconográfico, sino una apropiación cultural del lenguaje de la visualidad actual y

del ayer.

# texto publicado en www.dislocación.cl

d o s

GOOD, REGULAR AND BAD IDEAS [Narda Alvarado]

[texto sobre una obra de Narda Alvarado en la bienal de Sao Paulo y expuesta en 2007 en el MAC de Quinta Normal]

“El escándalo, en nuestros días, no consiste en atentar contra los valores morales, sino contra el principio de realidad”.

(Jean Baudrillard)

Para llevar a cabo el análisis de una obra de la muestra de la Bienal de Sao Paulo, he escogido el trabajo de la artista Uruguaya Narda Alvarado. El trabajo de ésta artista consiste en una instalación gráfica que lleva por nombre "Good, regular and bad ideas" en donde, tal como describe este título son proyectos que están clasificados según la "calidad" de la idea, jerarquizándolas en buenas, regulares y malas.

Este montaje está conformado por 150 módulos de pequeño formato que están dispuestos en las paredes de una sala del MAC, cada uno de ellos relata diversos proyectos visuales que la artista desearía desarrollar, en una especie de encuentro con la bitácora de bolsillo donde se apuntan las ideas para llevar a cabo obras que finalmente terminan siendo “la” obra.

La lectura gráfica apunta hacia una estética constructiva de pre-proyecto, a esos apuntes rápidos, con líneas simples y explicaciones sobre la funcionalidad de los objetos propuestos en el boceto. Un ejemplo de esto es un módulo que desarrolla la idea de hacer un video performance que consiste en dar helados a niños y pedirles que no los tomen, en él están dibujados tres niños con helados en sus manos. Otra idea es una performance que consiste en poner a una persona en el espacio público con un helado hasta que se derrita.

Se podría decir que este trabajo alcanza un alto grado de conceptualismo por el modo de abordar la temática y montaje de la obra, puesto que se está utilizando en vez de la acción, como medio de materialización de las ideas (en su mayoría proyectos performáticos) el lenguaje gráfico y verbal, generando un diseño intelectual en la mente del observador. Ésta es una de las herramientas básicas utilizadas por los conceptuales, en donde el lenguaje toma un rol mediador tan importante como la representación material-sensible de lo que significa una obra, como los formatos bidimensionales o tridimensionales, representando la idea la forma más pura del arte, ya que éstas son el núcleo fundamental de la creación artística.

De este modo, cabe decir que este trabajo plasma la idea conceptual a través de la experiencia gráfica y bidimensional, a la vez que se ejerce una crítica irónica a la producción artística.

La artista pone en cuestión sus ideas y las ideas que se sitúan como prácticas en el arte contemporáneo (como videos, esculturas, performances de bajo presupuesto, pero esto no supone una falta de contenido, sino cierto grado de ironía “entre líneas”) y que se inscriben dentro de un cambio de paradigma que da paso a nuevas experiencias en el campo estético. Por lo tanto, uno de los roles del arte pasa por proponer pensamientos críticos, que se proyectan desde ámbitos que van de la problemática al interior del arte, como críticas estéticas, banales a lo más social y comprometido.

Es aquí donde el artista deja lo “manual” y se convierte en un productor visual, de ideas, de discursos que someten a discusión la cuestión del arte y las problemáticas que tienen relación con los contenidos más que con las formas. Puesto de otra manera con formas que destruyen los cánones de lo sublime en el arte y apuntan directamente a un contenido y a un proceso intelectualizado de las artes visuales.

Una obra hoy en día es evidencia de una problemática más que belleza y contemplación.

Uno de los sucesos que se develó con el arte conceptual fue precisamente acabar con el aura del objeto artístico y centrar un foco de atención en las ideas, tal como lo proyecta Narda Alvarado en esta serie gráfica de proyectos que posiblemente sólo son parte de una ficción, de un simulacro de obra, algo que puede ser real, pero que tiende a no serlo, pero que físicamente está representando algo; son acciones que podrían realizarse, pero que quizás si no están dentro de la buenas ideas no se realice dicho proyecto, pero sin embargo está el registro de que esa idea existe, reemplazando a la acción.

Esta obra que en apariencia se ve tan colorida, con una factura que tiende al dibujo de paint o de niño, está compuesta por una serie de referentes que la insertan muy bien en lo contemporáneo del arte y que sin duda es una de las razones por las cuales está ocupando un lugar dentro de la bienal Sao Paulo, la cual tiene como uno de sus objetivos dar a conocer el estado del arte actual.

De la obra y de su simpleza, se puede desprender una segunda lectura muy vinculada a las nociones de creación conceptual que se liga sin duda a los aspectos de teorización del arte, en cuyos procesos de producción y recepción está implícita cierta modificación de la sensibilidad estética. Aquí el proceso de producción es la obra final expuesta en la sala y la recepción exige cierto grado de valoración intelectual en el espectador, por lo tanto se produce una alteración en recepción estética, en donde se alcanza una dimensión reflexiva del arte.

No estamos sólo frente dibujos pequeñitos simples. Estamos frente al cuestionamiento que la artista tiene de sus propias ideas y a la valoración que ésta tiene de ellas.
Me parece destacable el uso de la herramienta autorreferencial por el cual sin duda pasa todo artista de clasificar su producción, de tomar casi una variante cotidiana en el cómo se van generando los proyectos de obra y traducirlo en la cara visible, en la imagen final. El proceso de producción como complemento para entender el producto es clave para la comprensión de el significado del arte, aquí vemos proceso y mostrar el proceso deviene de generar el espectáculo del proyecto de arte contemporáneo.

uno

Empezar a escribir es complejo, sobre todo cuando uno espera que las ideas que se tienen en la cabeza sean traspasadas claramente mientras se tipean.
Ciertamente la idea de esto es hacer prueba y ensayo de algunas cosas que andan dando vuelta en mi cabeza, una manera de materializar - en este espacio inmaterial - mis concepciones sobre la percepción que hoy tengo sobre el indefinible mundo de las artes.

Un placer y un odio constante.

El placer imagino que fue adquirido a medida que fui entrando en el ejercicio plástico, cuando empecé a tener un rollo "conceptual" con la creación que fue directamente hacia el odio de mano de las teorías y los textos necesarios para poder comprender ciertos cambios, afirmaciones, mentiras y verdades del arte.
La verdad es que mucho no se. No tengo verdades, es más, me interesan las ficciones y toda la palabrería articulada como algunas vez lo hice con las imágenes, y creo, a ratos, sigo haciendo.
Dentro de los temas que más me interesan, son los que tienen relación con lo que gatilla un cambio, sobre todo en lo que respecta al territorio latinoamericano, tema de constante investigación y que quisiera poder elaborar una tesis al respecto.
Sin embargo, en la construcción de este circuitos de ideas - personales apoyada de otras varias teorías- debo reconocer que por una cuestión de cercanía temporal nunca he tenido "mucha onda" con la cultura precolombina. En primer lugar, desde mi posición contemporánea, me resulta difícil observar aquellos registros como piezas de arte, só, como una herencia rica en cultura, en aportes visuales, en ingenería, pero ¿cómo aplicar el concepto de arte a una civilización cuya data histórica es atemporal a la creación de dicho concepto, cuyo origen es moderno?

Ahora bien, aunque cruel, pero desde una mirada historiográfica me parece muy interesante lo que acontece en la cultura latinoamericana con la llegada de los españoles, en terminos simples, el proceso de hibridaje, resistencia y transculturación es un período donde el indígena pese a la invasión europea tuvo una manera particular de hacer lectura, en el ámbito de los imaginarios, sobre la influencia instaurada en la época virreinal.

Ahora bien, lo que a mi me interesa de todo esto es la evolución que se produce de este perídodo en adelante, la manera de construir una república en los distintos pueblos latinoamericanos a partir de una modernidad pujante e implantada con el modelo eurpeo. Modernidad y posmodernidad en un plazo abismante, eso es lo que me quita el sueño y de lo que me propongo escribir aquí.